Tablouri non-standard. Cei mai neobișnuiți artiști

Arta nu numai că poate inspira, ci și fermeca și chiar înspăimânta. Atunci când creează artiști neobișnuiți, aceștia întruchipează cele mai ascunse imagini și uneori se dovedesc a fi foarte ciudați. Cu toate acestea, astfel de creații au aproape întotdeauna mulți fani.

Care sunt cele mai neobișnuite imagini ale lumii, cine le creează și despre ce pot spune?

„Mâinile îi rezistă”

Această imagine ciudată își începe povestea în 1972. Atunci am venit din California și am găsit o fotografie veche în arhiva mea. Înfățișa copii: Bill însuși și sora lui, care a murit la vârsta de patru ani. Artistul a fost surprins că fotografia a fost făcută în casa pe care familia a dobândit-o după moartea fetei. Un incident mistic l-a inspirat pe Bill să creeze acest tablou neobișnuit.

Când pânza a fost prezentată criticului de artă, acesta a murit curând. Este greu de spus dacă acest lucru poate fi numit o coincidență, deoarece actorul John Marley, care a cumpărat tabloul, a murit curând. Pânza a fost pierdută și apoi găsită într-o groapă de gunoi. Micuța fiicei noilor proprietari ai tabloului a început imediat să observe ceva ciudat - a insistat că copiii pictați se certau sau vin la ușa camerei ei. Tatăl familiei a așezat o cameră în cameră cu tabloul care ar fi trebuit să răspundă la mișcare și a funcționat, dar de fiecare dată a fost doar zgomot pe film. Când pictura a fost scoasă la licitație online la începutul noului mileniu, utilizatorii au început să se plângă că se simt rău după ce l-au văzut. Cu toate acestea, l-au cumpărat. Kim Smith, proprietarul unei mici galerii de artă, a decis să cumpere ceva neobișnuit ca expoziție.
Povestea picturii nu se termină - răul care emană din ea este acum remarcat de vizitatorii expoziției.

„Băiat care plânge”

Când se menționează picturi neobișnuite ale artiștilor celebri, nu se poate să nu-l menționăm pe acesta. Întreaga lume știe despre tabloul „blestemat” numit „Băiatul care plânge”. Pentru a-l crea, și-a folosit propriul fiu ca model. Băiatul nu putea să plângă chiar așa, iar tatăl său l-a supărat în mod intenționat speriindu-l cu chibrituri aprinse. Într-o zi, un copil i-a strigat tatălui său: „Arde-te!”, iar blestemul s-a dovedit a fi eficient - copilul a murit curând de pneumonie, iar tatăl său a ars de viu în casă. Atenția asupra picturii a fost atrasă în 1985, când incendiile au început să aibă loc în nordul Angliei. Oameni au murit în clădiri rezidențiale și doar o simplă reproducere a unui copil care plângea a rămas intactă. Notorietatea încă bântuie pictura acum - mulți pur și simplu nu riscă să-l atârne în casele lor. Și mai neobișnuit este că locul originalului rămâne necunoscut.

"Ţipăt"

Picturile neobișnuite atrag în mod constant atenția publicului și chiar provoacă încercări de a repeta capodopera. Unul dintre aceste tablouri, care a devenit iconic în cultura modernă, este „The Scream” al lui Munch. Aceasta este o imagine misterioasă, mistică, care pentru unii pare a fi fantezia unei persoane bolnave mintal, pentru alții - o predicție dezastru ecologic, iar pentru unii, un portret complet absurd al unei mumii. Într-un fel sau altul, atmosfera pânzei te atrage și nu-ți permite să rămâi indiferent. Picturile neobișnuite sunt adesea pline de detalii, dar „Scream”, dimpotrivă, este extrem de simplu - folosește două nuanțe principale, iar reprezentarea aspectului personajului central este simplificată până la primitivism. Dar tocmai această lume deformată face lucrarea deosebit de atractivă.

Istoria sa este, de asemenea, neobișnuită - lucrarea a fost furată de mai multe ori. Cu toate acestea, a fost păstrat și rămâne în muzeu, inspirând regizorii să creeze filme emoționante, iar artiștii să caute povești nu mai puțin expresive decât aceasta.

"Guernica"

Picasso a pictat niște tablouri foarte neobișnuite, dar unul dintre ele este deosebit de memorabil. „Guernica” expresiv a fost creat ca un protest personal împotriva acțiunilor naziste din orașul cu același nume. Este plin de experiențele personale ale artistului. Fiecare element al tabloului este plin de simbolism profund: figurile fug de foc, un taur călcă în picioare un războinic a cărui poză seamănă cu un crucifix, la picioarele lui sunt flori zdrobite și un porumbel, un craniu și o sabie spartă. în stilul unei ilustrații de ziar este impresionantă și are un impact puternic asupra emoțiilor privitorului.

"Mona Lisa"

Creand picturi neobișnuite cu propriile sale mâini, Leonardo da Vinci a păstrat prenumeîn eternitate. Picturile sale nu au fost uitate în secolul al VI-lea. Cel mai important dintre ele este „La Gioconda” sau „Mona Lisa”. În mod surprinzător, în jurnalele geniului nu există înregistrări ale lucrărilor la acest portret. Nu mai puțin neobișnuit este numărul de versiuni despre cine este reprezentat acolo. Unii cred că aceasta este o imagine feminină ideală sau mama artistului, unii o văd ca pe un autoportret, iar alții o văd ca pe un elev al lui da Vinci. Potrivit opiniei „oficiale”, Mona Lisa era soția unui negustor florentin. Oricare ar fi realitatea, portretul este cu adevărat neobișnuit. Un zâmbet abia vizibil curbe buzele fetei, iar ochii ei sunt uimitoare - se pare că această imagine privește lumea și nu publicul care se uită la ea. La fel ca multe alte picturi neobișnuite ale lumii, „La Gioconda” a fost realizată folosind o tehnică specială: cele mai subțiri straturi de vopsea cu cele mai mici lovituri, atât de evazive încât nici un microscop, nici o radiografie nu pot identifica urme ale operei artistului. Se pare că fata din imagine este în viață, iar lumina ușoară fumurie care o înconjoară este reală.

„Ispita Sfântului Antonie”

Desigur, cele mai neobișnuite imagini ale lumii nu pot fi studiate fără a te familiariza cu opera lui Salvador Dali. Următoarea poveste este legată de uimitoarea sa lucrare „Ispita Sfântului Antonie”. La momentul creării sale, a existat un concurs pentru a alege un actor pentru adaptarea cinematografică a „Belarus Ami” de Guy de Maupassant. Câștigătorul trebuia să creeze imaginea unui sfânt ispitit. Ceea ce se întâmpla l-a inspirat pe artist cu o temă care a fost folosită și de maeștrii săi preferați, de exemplu, Bosch. A creat un triptic pe această temă. Cezanne a descris și o lucrare similară. Lucrul neobișnuit este că Sfântul Antonie nu este doar un om drept care a văzut o viziune păcătoasă. Aceasta este o figură disperată a unui om, confruntat cu păcate sub formă de animale pe picioare subțiri de păianjen - dacă cedează ispitei, picioarele păianjenilor se vor rupe și îl vor distruge sub ele.

„Pazul de noapte”

Picturile neobișnuite ale artiștilor dispar adesea sau ajung în centrul evenimentelor mistice. Nimic de genul acesta nu s-a întâmplat cu „Night Watch” al lui Rembrandt, dar există încă multe mistere asociate cu pânza.

Intriga este evidentă doar la prima vedere - miliția merge într-o campanie, luând arme cu ei, fiecare erou este plin de patriotism și emoții, toată lumea are individualitate și caracter. Și imediat apar întrebări. Cine este această fetiță care arată ca un înger strălucitor în mulțimea militară? O mascotă simbolică pentru echipă sau o modalitate de a echilibra compoziția? Dar asta nici măcar nu este important. Anterior, dimensiunea picturii era diferită - clienților nu le-a plăcut și au tăiat pânza. A fost amplasată într-o sală pentru sărbători și întruniri, unde pânza a fost acoperită cu funingine timp de zeci de ani. Acum este imposibil să știi care au fost unele dintre culori. Chiar și cea mai atentă restaurare nu poate îndepărta funinginea din lumânările de seu, așa că privitorul poate doar ghici despre câteva detalii.

Din fericire, capodopera este acum în siguranță. Și cel puțin aspectul său modern este protejat cu grijă. Lui îi este dedicată o cameră separată, lucru cu care nu toate picturile celebre neobișnuite se pot lăuda.

"floarea soarelui"

Lista, care include cele mai faimoase picturi neobișnuite din lume, este completată de Van Gogh. Lucrările sale sunt pline de o emoție profundă și ascund în spatele lor povestea tragică a unui geniu nerecunoscut în timpul vieții sale. Una dintre cele mai memorabile picturi este pânza „Floarea soarelui”, care concentrează nuanțele și liniile caracteristice artistului.

Dar acesta nu este singurul motiv pentru care este interesant. Cert este că tabloul este copiat în mod constant, iar numărul de exemplare vândute cu succes le depășește pe cele cu care se pot lăuda alte tablouri neobișnuite. În același timp, în ciuda unei astfel de popularități, imaginea rămâne unică. Și nimeni nu a reușit cu adevărat în afară de Van Gogh.

Cât durează să devii artist? Poate talent? Sau capacitatea de a învăța ceva nou? Sau o fantezie sălbatică? Desigur, aceștia sunt toți factori necesari, dar care este cel mai important? Inspiraţie. Când un artist își pune literalmente sufletul într-un tablou, acesta devine parcă viu. Magia culorilor face minuni, dar este imposibil să-ți muți privirea, vrei să studiezi fiecare mic detaliu...

În acest articol ne vom uita la 25 de picturi cu adevărat strălucitoare și celebre.

✰ ✰ ✰

25

„Persistența memoriei”, Salvador Dali

Acest mic tablou i-a adus popularitate lui Dali când avea 28 de ani. Acesta nu este singurul titlu al picturii, are și numele „Ore blânde”, „Trăria memoriei”, „Duritatea memoriei”.

Ideea de a picta i-a venit artistului într-un moment în care se gândea la brânza procesată. Dali nu a lăsat o notă despre semnificația și semnificația picturii, așa că oamenii de știință o interpretează în felul lor, înclinând spre teoria relativității a lui Einstein.

✰ ✰ ✰

24

„Dans”, Henri Matisse

Tabloul este pictat în doar trei culori - roșu, albastru și verde. Ele simbolizează cerul, pământul și oamenii. Pe lângă „Dans”, Matisse a pictat și „Music”. Au fost comandate de un colecționar rus.

Nu există detalii inutile despre el, doar un fundal natural și oamenii înșiși, încremeniți în dans. Este exact ceea ce și-a dorit artistul - să surprindă un moment de succes în care oamenii sunt uniți cu natura și copleșiți de extaz.

✰ ✰ ✰

23

„Sărutul”, Gustav Klimt

„Sărutul” este cel mai faimos tablou al lui Klimt. El a scris-o în perioada sa „de aur” a creativității. A folosit foită de aur adevărată. Există două versiuni ale biografiei picturii. Potrivit primei versiuni, tabloul îl înfățișează pe Gustav însuși împreună cu iubita sa Emilia Flöge, al cărei nume l-a rostit ultimul în viață. Conform celei de-a doua versiuni, un anumit conte a ordonat pictura pentru ca Klimt să-l picteze pe el și pe iubita lui.

Când contele a întrebat de ce sărutul în sine nu era în imagine, Klimt a declarat că este un artist și așa a văzut el. De fapt, Klimt s-a îndrăgostit de iubita contelui și asta a fost un fel de răzbunare.

✰ ✰ ✰

22

„Țiganul adormit”, Henri Rousseau

Pânza a fost găsită la numai 13 ani de la moartea autorului și a devenit imediat cea mai scumpă lucrare a sa. În timpul vieții, a încercat să-l vândă primarului orașului, dar fără rezultat.

Imaginea transmite un sens original și o idee profundă. Pace, relaxare - acestea sunt sentimentele pe care le evocă „Țiganul adormit”.

✰ ✰ ✰

21

„Judecata de Apoi”, Hieronymus Bosch

Pictura este cea mai mare dintre toate lucrările sale supraviețuitoare. Poza nu are nevoie de o explicație a intrigii; totul este clar din titlu. Judecata de Apoi, Apocalipsa. Dumnezeu îi judecă atât pe cei drepți, cât și pe cei păcătoși. Imaginea este împărțită în trei scene. În prima scenă există paradis, grădini verzi, beatitudine.

În partea centrală se află însăși Judecata de Apoi, unde Dumnezeu începe să judece oamenii pentru faptele lor. Partea dreaptă înfățișează iadul, așa cum pare. Monștri îngrozitori, infern fierbinte și tortură monstruoasă a păcătoșilor.

✰ ✰ ✰

20

„Metamorfozele lui Narcis”, Salvador Dali

Au fost luate ca bază multe povești, dar cea mai importantă este povestea lui Narcis - un tip care și-a admirat atât de mult frumusețea încât a murit pentru că nu și-a putut satisface dorințele.

În primul plan al imaginii, Narcis stă gânditor lângă apă și nu se poate smulge de propria sa reflexie. În apropiere se află o mână de piatră care ține un ou, este un simbol al renașterii și al vieții noi.

✰ ✰ ✰

19

„Masacrul inocenților”, Peter Paul Rubens

Imaginea a fost bazată pe o poveste din Biblie, când regele Irod a ordonat uciderea tuturor băieților nou-născuți. Pictura înfățișează o grădină din palatul lui Irod. Războinici înarmați smulg cu forță bebeluși de la mamele lor care plâng și îi ucid. Pământul este presărat cu cadavre.

✰ ✰ ✰

18

„Numărul 5 1948”, Jackson Pollock

Jackson a folosit o metodă unică de aplicare a vopselei pe tablou. A pus pânza pe pământ și a ocolit-o. Dar în loc să aplice lovituri, a luat pensule și seringi și le-a pulverizat pe pânză. Această metodă a fost numită mai târziu „pictura de acțiune”.

Pollock nu folosea schițe, s-a bazat întotdeauna doar pe emoțiile sale.

✰ ✰ ✰

17

„Bal la Moulin de la Galette”, Pierre-Auguste Renoir

Renoir este singurul artist care nu a pictat nici un tablou trist. Renoir a găsit subiectul acestui tablou lângă casa lui, în restaurantul Moulin de la Galette. Atmosfera plină de viață și veselă a stabilimentului l-a inspirat pe artist să creeze acest tablou. Pentru a scrie lucrarea, prietenii și modelele lui preferate au pozat pentru el.

✰ ✰ ✰

16

„Cina cea de Taină”, Leonardo da Vinci

Acest tablou înfățișează ultima sărbătoare a lui Hristos cu ucenicii săi. Este general acceptat că momentul descris este când Hristos spune că unul dintre ucenicii săi îl va trăda.

Da Vinci a petrecut mult timp căutând modele. Cele mai complexe au fost imaginile lui Hristos și Iuda. În corul bisericii, Leonardo a observat un tânăr cântăreț și a desenat din el o imagine a lui Hristos. Trei ani mai târziu, artistul a văzut un bețiv într-un șanț și și-a dat seama că acesta este cel pe care îl căuta și l-a târât în ​​studio.

Când a copiat imaginea de la un bețiv, i-a recunoscut că în urmă cu trei ani artistul însuși a desenat din el imaginea lui Hristos. Așa că s-a dovedit că imaginile lui Isus și Iuda au fost copiate de la aceeași persoană, dar în perioade diferite ale vieții.

✰ ✰ ✰

15

„Nuferi”, Claude Monet

În 1912, artistul a fost diagnosticat cu cataractă dublă, iar din această cauză a fost operat. După ce a pierdut lentila din ochiul stâng, artistul a început să vadă lumina ultravioletă ca albastru sau violet, din această cauză picturile sale au căpătat culori noi și strălucitoare. În timp ce picta acest tablou, Monet a văzut crinii albaștri, în timp ce oameni obișnuiți am văzut doar crini albi obișnuiți.

✰ ✰ ✰

14

„Tipătul”, Edvard Munch

Munch suferea de psihoză maniaco-depresivă și era adesea chinuit de coșmaruri și depresie. Mulți critici cred că Munch s-a înfățișat în imagine - țipând în panică și groază nebună.

Artistul însuși a descris sensul picturii ca pe un „strigăt al naturii”. A spus că se plimba cu prietenii la apus și cerul s-a făcut roșu sânge. Tremurând de frică, el ar fi auzit același „strigăt al naturii”.

✰ ✰ ✰

13

Mama lui Whistler, James Whistler

Mama artistului a pozat pentru tablou. Inițial, a vrut ca mama să pozeze în picioare, dar acest lucru s-a dovedit a fi dificil pentru bătrână.
Whistler și-a intitulat pictura Aranjament în gri și negru. Mama artistului.” Dar, de-a lungul timpului, numele adevărat a fost uitat și oamenii au început să o numească „Mama lui Whistler”.

Inițial a fost un ordin de la un membru al parlamentului. care dorea ca un artist să o deseneze pe fiica lui Maggie. Dar în acest proces, ea a abandonat pictura și James i-a cerut mamei sale să devină model pentru a finaliza pictura.

✰ ✰ ✰

12

„Portretul Dorei Maar”, Pablo Picasso

Dora a intrat în opera lui Picasso ca o „femeie în lacrimi”. El a observat că nu o va putea picta niciodată zâmbind. Ochii adânci, triști și tristețea pe față sunt trăsăturile caracteristice portretelor lui Maar. Și, desigur, unghiile roșii de sânge - acest lucru l-a încântat în special pe artist. Picasso a pictat adesea portrete ale Dorei Maar și toate sunt demne de admirație.

✰ ✰ ✰

11

„Noaptea înstelată”, Vincent Van Gogh

Tabloul înfățișează un peisaj de noapte, pe care artistul l-a exprimat cu culori groase, strălucitoare și o atmosferă de calm nocturn. Cele mai strălucitoare obiecte sunt, desigur, stelele și luna sunt desenate cel mai clar.

Chiparoși înalți cresc pe pământ, de parcă ar visa să se alăture dansului fascinant al stelelor.

Semnificația imaginii este interpretată în moduri diferite. Unii văd o referire la Vechiul Testament, în timp ce alții sunt pur și simplu înclinați să creadă că pictura este rezultatul unei boli prelungite a artistului. În timpul tratamentului său, a scris „Noapte înstelată”.

✰ ✰ ✰

10

Olympia, Edouard Manet

Poza a fost motivul unuia dintre cele mai mari scandaluri din istorie. La urma urmei, înfățișează o fată goală întinsă pe cearșafuri albe.
Oameni revoltați l-au scuipat pe artist, iar unii chiar au încercat să strice pânza.

Manet a vrut doar să picteze o Venus „modernă”, pentru a arăta că femeile prezentului nu sunt mai rele decât femeile din trecut.

✰ ✰ ✰

9

„3 mai 1808”, Francisco Goya

Artistul a trăit profund evenimentele asociate cu atacul lui Napoleon. În mai 1808, revolta madrilenilor s-a încheiat tragic și acest lucru a atins atât de mult sufletul artistului încât 6 ani mai târziu și-a revărsat experiențele pe pânză.

Război, moarte, pierdere - toate acestea sunt descrise atât de realist în imagine, încât încă fascinează mintea multora.

✰ ✰ ✰

8

„Fata cu un cercel de perle”, Jan Vermeer

Pictura avea un alt titlu, „Fata într-un turban”. În general, se știe puțin despre pictură. Potrivit unei versiuni, Jan și-a pictat propria fiică, Maria. În imagine, fata pare să se întoarcă către cineva, iar privirea privitorului se concentrează asupra cercelului de perle din urechea fetei. Strălucirea cercelului se reflectă atât în ​​ochi, cât și pe buze.

Pe baza filmului a fost scris un roman, iar ulterior a fost realizat un film cu același nume.

✰ ✰ ✰

7

„Pazul de noapte”, Rembrandt

Acesta este un portret de grup al companiei căpitanului Frans Banning Kok și locotenentului Willem van Ruytenburg. Portretul a fost pictat la ordinul Societății de Tragere.
În ciuda întregii dificultăți a conținutului, imaginea este plină de spirit de paradă și solemnitate. E ca și cum mușchetarii pozează pentru un artist, uitând de bătălie.
Mai târziu pictura a fost tăiată pe toate părțile pentru a se potrivi în noua sală. Unele săgeți au dispărut pentru totdeauna din imagine.

✰ ✰ ✰

6

Las Meninas, Diego Velazquez

În pictură, artistul pictează portrete ale Regelui Filip al IV-lea și ale soției sale, care sunt văzute reflectate în oglindă. În centrul compoziției se află fiica lor în vârstă de cinci ani, înconjurată de suita ei.

Mulți cred că Velázquez a vrut să se înfățișeze pe sine în momentul creativității - „pictură și pictură”.

✰ ✰ ✰

5

„Peisaj cu căderea lui Icar”, Pieter Bruegel

Aceasta este singura lucrare supraviețuitoare a artistului pe tema miturilor.

Personajul principal al imaginii este practic invizibil. A căzut în râu, doar picioarele ieșind din suprafața apei. Penele lui Icar, care au zburat din cădere, sunt împrăștiate pe suprafața râului. Și oamenii sunt ocupați cu propriile lor afaceri, nimănui nu-i pasă de tânărul căzut.

S-ar părea că imaginea este tragică, deoarece înfățișează moartea unui tânăr, dar imaginea este pictată în culori calme, slabe și pare să spună „nimic nu s-a întâmplat”.

✰ ✰ ✰

4

„Școala din Atena”, Rafael

Înainte de „Școala din Atena”, Rafael avea puțină experiență cu frescele, dar, în mod surprinzător, această frescă s-a dovedit extraordinar de excelentă.

Acest tablou înfățișează Academia pe care Platon a fondat-o la Atena. Întâlnirile Academiei au avut loc în aer liber, dar artistul a decis că ideile mai strălucitoare vin într-o clădire antică superb făcută și, prin urmare, îi înfățișează pe studenți nu pe fundalul naturii. Rafael s-a înfățișat și el în frescă.

✰ ✰ ✰

3

„Crearea lui Adam”, Michelangelo

Aceasta este a patra din cele nouă fresce de pe tavanul Capelei Sixtine pe tema creației lumii. Michelangelo nu se considera un mare artist, s-a poziționat ca sculptor. De aceea corpul lui Adam din imagine este atât de proporțional și are trăsături pronunțate.

În 1990, s-a descoperit că imaginea lui Dumnezeu criptează structura exactă anatomic a creierului uman. Este posibil ca Michelangelo să fi fost bine familiarizat cu anatomia umană.

✰ ✰ ✰

2

„Mona Lisa”, Leonardo da Vinci

Mona Lisa rămâne până astăzi una dintre cele mai misterioase picturi din lumea artei. Criticii încă se ceartă despre cine este de fapt reprezentat pe ea. Mulți sunt înclinați să creadă că Mona Lisa este soția lui Francesco Gioconda, care i-a cerut artistului să picteze un portret.

Principalul mister al imaginii constă în zâmbetul femeii. Există multe versiuni - pornind de la sarcina unei femei și zâmbetul dezvăluie mișcarea fătului, terminând cu faptul că acesta este de fapt un autoportret al artistei într-o imagine feminină. Ei bine, tot ce rămâne este să ghicești și să admiri frumusețea incredibilă a imaginii.

✰ ✰ ✰

1

„Nașterea lui Venus”, Sandro Botticelli

Pictura înfățișează mitul nașterii zeiței Venus. Zeița s-a născut din spuma mării, dimineața devreme. Zefirul vântului Zephyr o ajută pe zeiță să înoate până la țărm în carapacea ei, unde o întâlnește zeița Ora. Imaginea personifică nașterea iubirii, evocă un sentiment de frumusețe, pentru că nu există nimic mai frumos pe lume decât iubirea.

✰ ✰ ✰

Concluzie

Am încercat să includem în acest articol doar câteva dintre cele mai populare tablouri din lume. Dar există multe alte capodopere la fel de interesante. arte frumoase. Ce tablouri considerați populare?

Unele opere de artă par să lovească privitorul peste cap, uimitoare și uimitoare. Unii te atrag în gândire și în căutarea unor straturi de sens, simbolism secret. Unele tablouri sunt învăluite în secrete și mistere mistice, iar unele surprind cu prețuri exorbitante.

„Ciudățenia” este un concept destul de subiectiv și fiecare are propriile picturi uimitoare care ies în evidență de alte opere de artă.

Edvard Munch „Țipătul”

1893, carton, ulei, tempera, pastel. 91×73,5 cm

Galeria Națională, Oslo

Strigătul este considerat un eveniment expresionist de referință și unul dintre cele mai faimoase picturi din lume.
„Mergeam pe o potecă cu doi prieteni - soarele apunea - deodată cerul s-a înroșit sângele, m-am oprit, simțindu-mă epuizat, și m-am rezemat de gard - m-am uitat la sângele și flăcările peste fjordul negru-albăstrui și la oraș - prietenii mei au trecut mai departe, iar eu am stat tremurând de emoție, simțind țipetele nesfârșite care străpunge natura”, a spus Edvard Munch despre istoria picturii.
Există două interpretări ale ceea ce este reprezentat: eroul însuși este cuprins de groază și țipă în tăcere, lipindu-și mâinile de urechi; sau eroul își închide urechile de strigătul lumii și al naturii care răsună în jurul lui. Munch a scris 4 versiuni ale „The Scream”, și există o versiune conform căreia acest tablou este rodul psihozei maniaco-depresive de care a suferit artistul. După un curs de tratament la clinică, Munch nu s-a întors să lucreze pe pânză.

Paul Gauguin „De unde venim? Cine suntem noi? Unde mergem?

1897-1898, ulei pe pânză. 139,1×374,6 cm

Muzeul de Arte Frumoase, Boston

Adânc tablou filosofic postimpresionistul Paul Gauguin a fost pictat de el în Tahiti, unde a fugit de la Paris. La terminarea lucrării, a vrut chiar să se sinucidă, pentru că „cred că această pictură nu numai că le depășește pe toate cele anterioare și că nu voi crea niciodată ceva mai bun sau chiar asemănător”. A mai trăit 5 ani și asta s-a întâmplat.
Potrivit lui Gauguin însuși, pictura trebuie citită de la dreapta la stânga - trei grupuri principale de figuri ilustrează întrebările puse în titlu. Trei femei cu un copil reprezintă începutul vieții; grupa mijlocie simbolizează existența cotidiană a maturității; în grupa finală, conform planului artistului, „bătrâna, apropiindu-se de moarte, pare împăcată și predată gândurilor ei”, la picioarele ei „o pasăre albă ciudată... reprezintă inutilitatea cuvintelor”.

Pablo Picasso "Guernica"

1937, ulei pe pânză. 349×776 cm

Muzeul Reina Sofia, Madrid

Uriașa pictură în frescă „Guernica”, pictată de Picasso în 1937, spune povestea unui raid al unei unități de voluntari Luftwaffe asupra orașului Guernica, în urma căruia orașul cu șase mii de oameni a fost complet distrus. Tabloul a fost pictat literalmente într-o lună - în primele zile de lucru la pictură, Picasso a lucrat 10-12 ore și deja în primele schițe se putea vedea Ideea principală. Aceasta este una dintre cele mai bune ilustrații ale coșmarului fascismului, precum și ale cruzimii și durerii umane.
Guernica prezintă scene de moarte, violență, brutalitate, suferință și neputință, fără a preciza cauzele lor imediate, dar sunt evidente. Se spune că în 1940, Pablo Picasso a fost chemat la Gestapo din Paris. Conversația s-a îndreptat imediat către tablou. „Ai făcut asta?” - „Nu, ai făcut-o.”

Jan van Eyck „Portretul cuplului Arnolfini”

1434, lemn, ulei. 81,8×59,7 cm

Galeria Națională din Londra, Londra

Portretul presupus al lui Giovanni di Nicolao Arnolfini și al soției sale este unul dintre cele mai multe lucrări complexeȘcoala occidentală de pictură a Renașterii de Nord.
Celebrul tablou este complet plin de simboluri, alegorii și diverse referințe - până la legenda „Jan van Eyck a fost aici”, care a transformat-o nu doar într-o operă de artă, ci într-un document istoric care confirmă un eveniment real la care artistul a fost prezent.
În Rusia ultimii ani Pictura a câștigat o mare popularitate datorită asemănării portretului lui Arnolfini cu Vladimir Putin.

Mikhail Vrubel „Demonul așezat”

1890, ulei pe pânză. 114×211 cm

Galeria Tretiakov, Moscova

Tabloul lui Mikhail Vrubel surprinde cu imaginea unui demon. Tipul trist, cu părul lung, nu seamănă deloc cu ideea umană comună despre cum ar trebui să arate un spirit rău. Artistul însuși a vorbit despre cel mai faimos tablou al său: „Demonul nu este atât un spirit rău, cât unul suferind și întristat, în același timp un spirit puternic și maiestuos”. Aceasta este o imagine a puterii spiritului uman, lupta interioara, îndoieli. Împreunându-și în mod tragic mâinile, Demonul stă cu ochi triști, uriași îndreptați în depărtare, înconjurat de flori. Compoziția subliniază constrângerea figurii demonului, ca și cum ar fi strânsă între barele transversale superioare și inferioare ale cadrului.

Vasily Vereshchagin „Apoteoza războiului”

1871, ulei pe pânză. 127×197 cm

Galeria de Stat Tretiakov, Moscova

Vereshchagin este unul dintre principalii pictori ruși de luptă, dar nu a pictat războaie și bătălii pentru că le-a iubit. Dimpotrivă, a încercat să transmită oamenilor atitudinea sa negativă față de război. Într-o zi, Vereșchagin, în căldura emoției, a exclamat: „Nu voi mai picta picturi de luptă - asta este!” Iau prea aproape de suflet ceea ce scriu, plâng (la propriu) durerea fiecărui rănit și ucis.” Probabil că rezultatul acestei exclamații a fost pictura teribilă și vrăjitoare „Apoteoza războiului”, care înfățișează un câmp, corbi și un munte de cranii umane.
Poza este scrisă atât de profund și emoționant încât în ​​spatele fiecărui craniu întins în această grămadă, începi să vezi oameni, destinele lor și destinele celor care nu vor mai vedea niciodată acești oameni. Vereshchagin însuși, cu un sarcasm trist, a numit pânza „natura moartă” - înfățișează „natura moartă”.
Toate detaliile imaginii, inclusiv culoarea galbenă, simbolizează moartea și devastarea. Cerul albastru limpede subliniază caracterul mort al imaginii. Ideea „Apoteozei războiului” este exprimată și prin cicatrici de la sabii și găuri de gloanțe de pe cranii.

Grant Wood „Gotic american”

1930, ulei. 74×62 cm

Institutul de Artă din Chicago, Chicago

„American Gothic” este una dintre cele mai recunoscute imagini din arta americană a secolului XX, cea mai faimoasă meme artistică a secolelor XX și XXI.
Poza cu tatăl și fiica sumbră este plină de detalii care indică severitatea, puritanismul și natura retrogradă a oamenilor reprezentați. Fețe supărate, o furcă chiar în mijlocul imaginii, haine de modă veche chiar și după standardele din 1930, un cot la vedere, cusături pe hainele unui fermier care repetă forma unei furci și, prin urmare, o amenințare care se adresează tuturor. care invadează. Poți să te uiți la toate aceste detalii la nesfârșit și să te încânți de disconfort.
Interesant este că arbitrii concursului de la Institutul de Artă din Chicago au perceput „Gothic” ca pe un „Valentine umoristic”, iar oamenii din Iowa au fost teribil de jignit de Wood pentru că i-a portretizat într-o lumină atât de neplăcută.

Rene Magritte "Iubitorii"

1928, ulei pe pânză

Tabloul „Lovers” (“Lovers”) există în două versiuni. Într-una, un bărbat și o femeie, ale căror capete sunt înfășurate într-o pânză albă, se sărută, iar în cealaltă, „se uită” la privitor. Poza surprinde și fascinează. Cu două figuri fără chip, Magritte a transmis ideea orbirii iubirii. Despre orbire în toate sensurile: îndrăgostiții nu văd pe nimeni, noi nu le vedem adevăratele fețe și, în plus, iubiții sunt un mister chiar și unul pentru celălalt. Dar, în ciuda acestei clarități aparente, continuăm să ne uităm la iubiții lui Magritte și să ne gândim la ei.
Aproape toate picturile lui Magritte sunt puzzle-uri care nu pot fi rezolvate complet, deoarece ridică întrebări despre însăși esența existenței. Magritte vorbește mereu despre înșelăciunea vizibilului, despre misterul lui ascuns, pe care de obicei nu-l observăm.

Marc Chagall "Mergere"

1917, ulei pe pânză

Galeria de Stat Tretiakov

De obicei extrem de serios în pictura sa, Marc Chagall a scris un manifest încântător al propriei fericiri, plin de alegorii și dragoste. „Walk” este un autoportret cu soția sa, Bella. Iubita lui se înălță pe cer și în curând o va trage în zbor pe Chagall, care stă precar pe pământ, ca și cum ar fi atingând-o doar cu degetele pantofilor. Chagall are o pițigă în cealaltă mână - este fericit, are atât un pițiu în mâini (probabil pictura lui), cât și o plăcintă pe cer.

Hieronymus Bosch „Grădina deliciilor pământești”

1500-1510, lemn, ulei. 389×220 cm

Prado, Spania

„Grădina deliciilor pământești” este cel mai faimos triptic al lui Hieronymus Bosch, care și-a luat numele de la tema părții centrale, dedicată păcatului voluptuozității. Până în prezent, niciuna dintre interpretările disponibile ale imaginii nu a fost recunoscută ca fiind singura corectă.
Farmecul de durată și în același timp ciudățenia tripticului constă în modul în care artistul exprimă ideea principală prin multe detalii. Poza este plină de figuri transparente, structuri fantastice, monștri, halucinații care au căpătat carne, caricaturi infernale ale realității, pe care le privește cu o privire cercetătoare, extrem de ascuțită. Unii oameni de știință au vrut să vadă în triptic o imagine a vieții umane prin prisma inutilității sale și imagini ale iubirii pământești, alții - un triumf al voluptuozității. Cu toate acestea, simplitatea și sigura detașare cu care sunt interpretate figurile individuale, precum și atitudinea favorabilă față de această lucrare din partea autorităților bisericești, fac să se îndoiască că conținutul ei ar putea fi glorificarea plăcerilor trupești.

Gustav Klimt „Cele trei vârste ale femeii”

1905, ulei pe pânză. 180×180 cm

Galeria Națională de Artă Modernă, Roma

„Cele trei vârste ale unei femei” este atât vesel, cât și trist. În ea, povestea vieții unei femei este scrisă în trei figuri: nepăsare, pace și disperare. Tânăra este împletită organic în tiparul vieții, bătrâna iese în evidență. Contrastul dintre imaginea stilizată a unei tinere și imaginea naturalistă a unei bătrâne devine sens simbolic: prima fază a vieții aduce cu sine posibilități și metamorfoze nesfârșite, ultima - constanță neschimbătoare și conflict cu realitatea.
Pânza nu se lasă, intră în suflet și te face să te gândești la profunzimea mesajului artistului, precum și la profunzimea și inevitabilitatea vieții.

Egon Schiele „Familia”

1918, ulei pe pânză. 152,5×162,5 cm

Galeria Belvedere, Viena

Schiele a fost elev al lui Klimt, dar, ca orice elev excelent, nu și-a copiat profesorul, ci a căutat ceva nou. Schiele este mult mai tragic, ciudat și înfricoșător decât Gustav Klimt. În lucrările sale există o mulțime de ceea ce s-ar putea numi pornografie, diverse perversiuni, naturalism și, în același timp, disperare dureroasă.
„Familia” este cea mai recentă lucrare a lui, în care disperarea este dusă la extrem, în ciuda faptului că este poza lui cel mai puțin ciudată. L-a pictat chiar înainte de moartea sa, după ce soția sa însărcinată Edith a murit de gripă spaniolă. A murit la 28 de ani, la doar trei zile după Edith, pictându-i pe ea, pe el și pe copilul lor nenăscut.

Frida Kahlo „Două Frida”

Povestea vieții dificile a artistei mexicane Frida Kahlo a devenit cunoscută pe scară largă după lansarea filmului „Frida” cu Salma Hayek în rol principal. Kahlo a pictat în mare parte autoportrete și a explicat simplu: „Mă pictez pentru că petrec mult timp singur și pentru că sunt subiectul pe care îl cunosc cel mai bine.”
Nici într-un singur autoportret nu zâmbește Frida Kahlo: o față serioasă, chiar mâhnită, sprâncene groase topite, o mustață abia vizibilă deasupra buzelor strâns comprimate. Ideile picturilor ei sunt criptate în detalii, fundal, figuri care apar lângă Frida. Simbolismul lui Kahlo se bazează pe tradițiile naționale și este strâns legat de mitologia indiană din perioada prehispanică.
Într-una dintre cele mai bune picturi - „Două Frida” - ea a exprimat principiile masculin și feminin, legate în ea printr-un singur sistem circulator, demonstrându-și integritatea.

Claude Monet „Podul Waterloo. efect de ceata"

1899, ulei pe pânză

Muzeul Ermitaj de Stat, Sankt Petersburg

Când te uiți la poza din aproape privitorul nu vede decât pânza, pe care sunt aplicate frecvente lovituri groase de ulei. Întreaga magie a lucrării este dezvăluită atunci când începem să ne îndepărtăm treptat de pânză. În primul rând, în fața noastră încep să apară semicercuri de neînțeles, trecând prin mijlocul imaginii, apoi vedem contururile clare ale bărcilor și, îndepărtându-ne la o distanță de aproximativ doi metri, toate lucrările de legătură sunt desenate brusc în fața noi și aliniate într-un lanț logic.

Jackson Pollock „Numărul 5, 1948”

1948, plăci de fibre, ulei. 240×120 cm

Ciudația acestui tablou este că pânza liderului american al expresionismului abstract, pe care a pictat-o ​​vărsând vopsea pe o bucată de plăci de fibre așezate pe podea, este cea mai scumpă pictură din lume. În 2006, la licitația Sotheby's, au plătit 140 de milioane de dolari pentru el. David Giffen, un producător și colecționar de filme, l-a vândut finanțatorului mexican David Martinez.
„Continuu să mă îndepărtez de instrumentele obișnuite ale unui artist, cum ar fi șevalet, paletă și pensule. Prefer bețișoarele, cutele, cuțitele și vopsea curgătoare sau un amestec de vopsea cu nisip, sticlă spartă sau altceva. Când sunt în interiorul unui tablou, nu sunt conștient de ceea ce fac. Înțelegerea vine mai târziu. Nu mă tem de schimbări sau distrugeri ale imaginii, deoarece pictura își trăiește propria viață. Doar o ajut. Dar dacă pierd contactul cu tabloul, acesta devine murdar și dezordonat. Dacă nu, atunci este armonie pură, ușurința în care iei și oferi.”

Joan Miró „Bărbat și femeie în fața unui morman de excremente”

1935, cupru, ulei, 23×32 cm

Fundația Joan Miró, Spania

Nume bun. Și cine ar fi crezut că această poză ne vorbește despre ororile războaielor civile.
Pictura a fost realizată pe tablă de cupru în timpul săptămânii dintre 15 octombrie și 22 octombrie 1935. Potrivit lui Miro, acesta este rezultatul unei încercări de a descrie o tragedie Războiul civilîn Spania. Miro a spus că aceasta este o poză despre o perioadă de anxietate. Tabloul prezintă un bărbat și o femeie care se întind pentru a se îmbrățișa, dar fără a se mișca. Organele genitale mărite și culorile sinistre au fost descrise ca „pline de dezgust și sexualitate dezgustătoare”.

Jacek Yerka „Eroziune”

Neosuprrealistul polonez este cunoscut în întreaga lume pentru picturile sale uimitoare în care realitățile se combină pentru a crea altele noi. Este greu să luăm în considerare lucrările sale extrem de detaliate și, într-o oarecare măsură, emoționante pe rând, dar acesta este formatul materialului nostru și a trebuit să alegem una pentru a-i ilustra imaginația și priceperea. Vă recomandăm să îl citiți.

Bill Stoneham „Mâinile îi rezistă”

Această lucrare, desigur, nu poate fi clasată printre capodoperele picturii mondiale, dar faptul că este ciudată este un fapt.
Există legende care înconjoară tabloul cu un băiat, o păpușă și mâinile apăsate de sticlă. De la „oamenii mor din cauza acestei imagini” la „copiii din ea sunt în viață”. Poza arată într-adevăr înfiorător, ceea ce dă naștere la o mulțime de temeri și speculații în rândul oamenilor cu psihic slab.
Artistul a asigurat că poza se înfățișează pe sine la vârsta de cinci ani, că ușa este o reprezentare a liniei de despărțire dintre lumea realăși lumea viselor, iar păpușa este un ghid care îl poate ghida pe băiat prin această lume. Mâinile reprezintă vieți sau posibilități alternative.
Pictura a câștigat notorietate în februarie 2000, când a fost listată spre vânzare pe eBay, cu o poveste de fundal care spunea că pictura era „bântuită”. „Hands Resist Him” a fost cumpărat cu 1.025 de dolari de Kim Smith, care a fost apoi inundat de scrisori cu povești înfiorătoare și solicitări de a arde tabloul.

Uneori, inspirația ia întorsături neașteptate! Avertizare! Conținutul acestui material este destinat doar adulților (cu vârsta de 18 ani sau mai mult). Fantezia umană cu adevărat nu are limite. În această colecție vom întâlni pe cei mai neobișnuiți, excentrici și disperați artiști din lume.
Tim Patch. Picturile acestui artist nu pot fi numite o mare lucrare, dar ceea ce frapează nu sunt picturile sale, ci felul în care le execută. Tim își desenează creațiile cu nimic mai mult decât coapsa și penisul. Într-un interviu, el spune că inspirația lui nu are limită, asta nu e tot! Artistul își demonstrează cu bucurie abilitățile în public, fără să-i pese ca felul său de a desena să fie adoptat de alții, nu se teme de concurenți!
Kira Ain Warzeji. Această artistă își folosește corpul pentru a aplica vopsea pe pânză și datorită acestui fapt a devenit populară. Kira pictează tablouri cu bustul ei, care, apropo, nu este de dimensiuni mici (38DD). Prin crearea picturilor ei, artista îi face plăcere nu numai ei, ci și jumătate din umanitate.
Chris Truman. El își dedică picturile celor dragi, familiei și prietenilor săi. Dar cum le desenează? În loc de vopsele obișnuite, el folosește furnici moarte. Acest mod foarte neobișnuit de a exprima dragostea pentru artă este încă celebru în cercurile sale. Picturile sale sunt vândute și completează contul creatorului cu o medie de 5.000 de dolari.
Vinicius Quesada. Acest artist a decis să-și facă picturile „prietenoase cu mediul” și le pictează cu nimic altceva decât cu propriul său sânge. La început a dedicat acest gest protecției mediului pentru a atrage atenția publicului, dar după aceea a continuat să creeze cu sânge. Norma artistului este de 450 ml de sânge pe lună, acesta este suficient pentru a crea o altă operă de artă. Merită spus că prețul picturilor sale începe de la 10.000 de dolari.
Jordan McKenzie. Acest artist creează cu lichid din corpul uman. Nu, nu cu sânge ca colegii lui. Pentru lucrările sale își folosește mâinile, pânza și... penisul. Mai probabil nici măcar organul în sine, ci sămânța lui. Da, acest artist excentric pictează imagini cu sperma lui. O stropește pe pânză, o prelucrează cu vopsele și pictura este gata!
Millie Brown. O femeie care creează vărsături Pentru unii, această metodă pare dezgustătoare, unii o consideră uimitoare, iar unii o consideră o boală, dar, cu toate acestea, picturile acestui artist sunt vândute cu milioane de dolari. Millie bea lapte colorat și a învățat să se facă să vomite oricând. Ea însăși nu se consideră nesănătoasă și este mândră de modul ei exclusivist.
Continuând tema desenului cu părți ale corpului, este imposibil să nu amintim de artista Anya Kay. Își pictează tablourile cu limba, fără să se teamă de consecințe grave asupra corpului. În ciuda stării de greață și a durerilor de cap, creatorul este mândru de priceperea sa și consideră că o copie a picturii „Cina cea de Taină” este coroana colecției sale.
Lani Beloso. Această artistă își pictează lucrările cu sânge menstrual. În general, tema sângelui este foarte atractivă pentru artiști, dar Lani i-a întrecut pe toată lumea. Ea a creat o serie de lucrări numite „Piesă de perioadă” („Opere de artă menstruală”). Proiectul a constat din 12 picturi, reprezentând ciclul menstrual anual al artistei.
Martin von Ostrowski. Cred că ai ghicit ce vopsele folosește Martin. Da, da, ați citit bine, acestea sunt excremente umane. Într-un interviu, el a spus: „Un artist are dreptul de a folosi materiale cu o particulă a autorului pentru a arăta sau a dovedi că face parte din lumea organică. Genele mele sunt păstrate în sperma, care joacă un rol important reproducerea unei ființe umane împreună cu un ou femelă Iar în mine în fecale există microorganisme care trăiesc în simbioză cu hrana digerată Așa că artistul face parte dintr-un mare complex al unei lumi organice nenumărate, și pentru a nu se pierde în ea, el trebuie să lase o amprentă tangibilă asupra artei pe care o creează." Ai agăța o astfel de poză în camera ta de zi? Chris Ofili. Acest artist pictează picturi care înfățișează aspecte ale moștenirii nigeriene. Dar cel mai interesant lucru este că își creează lucrările cu excremente pictate de elefant. Ofili a câștigat premiul Turner în 2003. Lucrările sale pot fi văzute în muzeele importante din întreaga lume (Brooklyn Art Museum, Tate Britain, Tate Modern London și Studio Museum din Harlem). Atenţie! Nici un elefant nu a fost rănit. Val Thompson. O altă artistă care își creează picturile într-un mod foarte excentric. Esența abordării ei neconvenționale a artei constă în materialul pe care îl folosește pentru a-și crea picturile. Cenușă umană după incinerare. Picturile ei sunt un loc în care moartea este strâns împletită cu frumusețea artei plastice.
Hong Yu, acest artist unic a reușit să combine sportul, forța și arta. Cu mâinile ei blânde, fata înmoaie o minge de baschet în vopsea și o pictează cu imprimeuri pe pânză.
Karen Eland. Ea nu bea bere, ea desenează cu ea. Un tablou îi ia aproximativ o jumătate de litru de băutură îmbătătoare și câteva zile de muncă minuțioasă. Într-un interviu, femeia spune că a pictat cafea timp de 14 ani, dar apoi a decis să experimenteze și alte băuturi, ceai, bere și lichior. În cele din urmă, berea s-a dovedit a fi cel mai bun înlocuitor pentru acuarele.
Xiang Chen. Susținând vechea metodă orientală de pictură, Xiang pictează cu pensule lungi de aproape un metru, ținându-le de secole! Capătul metalic al instrumentului este introdus sub pleoapă și fixat acolo. Artistul a descoperit această abilitate în sine la vârsta de 16 ani, realizând că un obiect prins în ochi nu i-a provocat disconfort!

Artiștii sunt imaginativi și încearcă să creeze picturi neobișnuite, adăugându-le unicitate și diversitate. Unele picturi încântă și inspiră, în timp ce altele sperie cu imaginile înfățișate.

Venus cu o oglindă

Pânza a fost pictată de Diego Velazquez în timpul unei călătorii în Italia. Acest lucru a fost făcut în secret, deoarece în Spania la acea vreme reprezentarea unei figuri nud era strict interzisă.

Există multe povești neplăcute asociate cu lucrarea. Primul proprietar a fost un comerciant din Spania, care a intrat brusc în faliment după ce a cumpărat capodopera. La început, comerțul a început să se înrăutățească, apoi au apărut probleme mai grave - mărfurile au fost capturate de pirați, navele s-au scufundat. Negustorul a început să-și vândă proprietatea pentru a-și recupera pierderile și a vândut tabloul. „Venus cu oglindă” a fost achiziționat de o altă persoană care era și ea implicată în comerț. Aproape imediat, depozitele lui au ars în urma unui fulger. A vândut și pânza.

Al treilea proprietar a fost înjunghiat până la moarte în propria casă trei zile mai târziu. După aceea, multă vreme nimeni nu a vrut să cumpere „Venus cu oglindă”. Pictura a fost trecută de la un muzeu la altul până când o femeie nebună pe nume Mary Richardson a vandalizat-o și a tăiat-o cu un satar pentru carne. Pânza a fost restaurată și returnată la Galeria Națională din Londra, unde a rămas până astăzi.

Ţipăt

Edvard Munch, autorul lucrării, avea psihoză maniaco-depresivă. El suferea adesea de tulburări depresive și era chinuit de coșmaruri noaptea. Pe pânza lui Munch există o imagine mistică a unei creaturi fără păr cu gura deschisă.

Majoritatea criticilor susțin că Edward s-a înfățișat pe el însuși pe pânză. Dar artistul spune ceva complet diferit – că acesta este doar un „strigăt al naturii”. Se plimba cu prietenii și a văzut un apus de soare, care l-a inspirat să picteze un tablou ciudat.

Dacă credeți legenda, atunci toți cei care au intrat în contact cu „Scream” au fost răniți într-un fel sau altul. Un angajat al muzeului a fost implicat într-un accident, iar altul s-a sinucis.

Femeia Ploaie

Una dintre cele mai neobișnuite picturi din lume a fost pictată de artista din Vinnitsa Svetlana Taurus la sfârșitul anilor 90 ai secolului trecut. Înaintea ei, ea era necunoscută de nimeni. Cu câteva luni înainte ca Tilets să-și înceapă creația, ea a început să aibă viziuni. Uneori, Svetlana simțea că este urmărită din lateral. În ciuda faptului că artistul a încercat să alunge gândurile tulburătoare, acestea au apărut din nou. După ceva timp, Taurul a avut ideea să picteze un portret al unei femei misterioase. Se puse pe treabă, cu mâna ghidată de o forță invizibilă. Portretul a fost gata într-un timp record - în doar cinci ore.

Luni mai târziu, în oraș au început să circule zvonuri că ar fi un blestem atârna peste tablou. Toți clienții s-au grăbit să-l returneze la magazinul de artă, fără să-și ia măcar banii înapoi. Fiecare dintre ei a susținut că pânza prinde viață noaptea. Oamenii au început să sufere de dureri de cap și alte afecțiuni și nu puteau dormi.

„Rain Woman” este o imagine foarte atmosferică și impresionantă. Combină perfect fundalul, perspectiva și proporțiile. Poate că tocmai acest fapt influențează stare emoțională proprietarii.

ultima cina

Pânza prezintă o imagine a ultimei sărbători de Paști a lui Isus Hristos și a ucenicilor-apostoli ai săi. Se crede că Hristos vorbește despre viitoarea trădare a unuia dintre apropiații săi. Artistul a încercat să descrie reacția fiecărui elev la fraza rostită. Însuși numele imaginii vorbește deja despre a lui sens sacru. Există într-adevăr simboluri și mesaje ascunse în lucrare.

Ducele de Milano a cerut ca lucrarea să fie făcută la comandă. Se știe că da Vinci a căutat de multă vreme modele pentru munca sa. Imaginea lui Hristos a fost deosebit de dificilă. În cele din urmă, l-a modelat după un tânăr cântăreț dintr-un cor bisericesc, care i s-a părut personificarea purității și a spiritualității. Cel mai uimitor lucru este că trei ani mai târziu, Leonardo a găsit un bețiv într-un șanț și a desenat din el imaginea lui Iuda. După cum sa dovedit, era încă același cântăreț. Cina cea de Taină a fost finalizată complet în 1498.

În timpul celui de-al Doilea Război Mondial, biserica în care se afla lucrarea a fost lovită de un obuz. Clădirea a fost complet distrusă, dar peretele cu frescă a supraviețuit în mod miraculos.

Metamorfozele lui Narcis

Unul dintre cele mai ciudate tablouri de Salvador Dali a fost pictat în 1937. Aceasta este o lucrare frumoasă și simbolică, pentru care Dali a folosit vopsele și pensule speciale. De asemenea, artista a încercat o nouă tehnică de aplicare a mișcărilor de pensulă.

Tabloul arată un tip care își admiră frumusețea. În prim plan stă lângă un iaz și își admiră reflexia, lângă el este imaginea unei mâini de piatră cu un ou. Acesta din urmă este un simbol al renașterii și al vieții noi.

Acum „Metamorphoses of Narcissus” se află la Londra, la Tate Gallery.

Sărut

Capodopera a fost pictata de artistul austriac Gustav Klimt folosind foita de aur adevarata. A lucrat la crearea lui timp de un an. Pânza înfățișează doi îndrăgostiți îmbrățișați într-o pajiște cu flori. Nu este nimic și nimeni în jur, doar un fundal auriu.

O versiune spune că pictura a fost comandată de un anumit conte. A vrut să fie fotografiat alături de iubita lui. Când fata a văzut tabloul, i-a plăcut atât de mult încât a acceptat imediat să devină soția contelui. Conform celei de-a doua versiuni, „The Kiss” prezintă o imagine a lui Gustav însuși și a iubitei sale femei Emilia.

Dans

Tabloul a fost pictat de Henri Matisse folosind doar trei culori - verde, albastru și roșu. Înfățișează doar oameni înghețați în dans și natură. Nu există detalii inutile. Pânza pare să fie vie și transmite foarte bine vibrațiile.

Dansul se remarcă prin noblețea sa și captivează prin naturalețe. Ideea artistului a fost să surprindă acel moment în care o persoană se unește cu natura și este plină de extaz.

Nuferi

Peisajul este creația impresionistului talentat al timpului său, Claude Monet. Când a terminat de lucrat la munca sa, a decis să sărbătorească acest eveniment alături de prietenii săi. Un mic incendiu a avut loc în atelierul artistului, care a fost imediat stins. Nimeni nu a acordat vreo importanță incidentului, dar s-a dovedit că capodopera purta o fantomă de foc invizibilă.

„Nuferi” au fost agățați într-un restaurant situat în Montmartre. În mod surprinzător, unitatea a ars într-o singură noapte. Dar pictura a supraviețuit în mod miraculos. Mai târziu a fost cumpărat de mecenatul de artă Oscar Schmitz. La un an de la cumpărare, i-a ars și casa. Mai mult, incendiul a izbucnit în biroul cu pânza. Și din nou, capodopera a rămas în siguranță. Următoarea victimă a peisajului este Muzeul de Artă Modernă din New York. „Nuferi” au fost transportați în el, iar câteva luni mai târziu a avut loc un incendiu. Capodopera a fost parțial carbonizată. După restaurare, peisajul nu a mai prezentat proprietăți „periculoase la incendiu”.

Există și multe tablouri interesante pictate de cei mai talentați artiști. Sunt multe în lume oameni creativi care inventează și creează constant noi lucrări neobișnuite.

Picturi neobișnuite ale artiștilor

5 (100%) 1 au votat